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Escultura contemporánea, otra gran disciplina del arte

Si te preguntas qué es la escultura, cuál es su significado, dónde y en qué época se originó, qué es la escultura contemporánea, cuáles son sus características, sus tendencias, los tipos que existen o si te preguntas sobre qué artistas son los más potentes en la actualidad, ¡¡¡este artículo es para ti!!!

Ahora bien, para llegar a la escultura contemporánea, tenemos que empezar por:

¿Qué significa escultura?

La palabra escultura viene del latín, del término sculptūra, la cual está compuesta por el verbo sculpere (que significa cincelar, esculpir, tallar, labrar, especialmente en piezas de mármol) y el sufijo latino  -ura/ -tura, que indica la actividad que se hace de la palabra raíz (sculpere).

Entonces…. ¿Qué es la escultura? 

Es el arte  que implica  la acción de esculpir, tallar, moldear o cincelar algún material, que puede ser mármol o piedra, huesos, marfil, barro, bronce, oro, madera entre otros materiales, cuyo objetivo es siempre crear una figura que tenga volumen.

Por tanto, la escultura engloba las artes de cincel y talla, así como moldeado y fundición. El escultor al utilizar diferentes combinaciones de materiales, técnicas y medios ha creado un gran repertorio artístico que comprende procesos como el ensamblaje y el constructivismo.

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Y… ¿Cuáles son los orígenes y la historia de la escultura?

Los orígenes de la escultura se remontan a la prehistoria, donde se hacían piezas con piedras o huesos. Con el paso del tiempo, el hombre empezó a emplear otros materiales.

En Europa, las primeras manifestaciones de este tipo de arte son del Paleolítico inferior (primer periodo de la primera etapa de la Edad de Piedra), donde usaban un mineral llamado sílex, el cual lo cortaban a través de impactos contra otra roca. Posteriormente, utilizó el grabado y el relieve, ambas técnicas las practicó tanto sobre piedra como en huesos de origen animal. 

En el paleolítico superior eran populares los objetos grabados o las tallas. Los materiales más comunes que usaban en esta época era la arcilla, que la usaban en la India, Cercano Oriente, Egipto y China.

En la era del bronce, el arte de la escultura dio un gran salto, porque el hombre había aprendido a trabajar el metal e introdujo este material en la escultura. En esta etapa aparecieron las técnicas para manipular el bronce y el hierro, surgieron herramientas más eficaces, a parte de más materiales para las propias obras. 

El proceso de fabricar una obra en arcilla y luego hacer el vaciado en bronce es un proceso que existe desde la Antigua Grecia y el Imperio Romano y se sigue usando en la actualidad. En esta época, introdujeron materiales como el marfil. La estatuaria arcaica fue principalmente religiosa.

En la Edad Media eran habituales los relieves en marfil, los aplicaban en cofres o dípticos. Algo característico del arte en esta época fueron las pequeñas esculturas en marfil y bronce a las que añadían incrustaciones de piedras preciosas y las imágenes de madera recubiertas de oro que lo utilizaban como relicario.

En esta época aparecen los primeros vestigios de la escultura gótica, donde representaban animales fabulosos que daban forma a las gárgolas.

Junto con la Edad Moderna comenzó la escultura renacentista. Esta nueva forma artística del renacimiento se inspiró en la escultura de la antigüedad clásica, porque buscaban la total exaltación de la belleza y encontraron en la matemática a su principal aliado.

En esta época, queda prácticamente desvinculada la escultura de la arquitectura, los personajes que representaban en estas obras mostraban expresiones llenas de dramatismo, un ejemplo claro es El David o La Piedad, esculturas de Miguel Ángel. 

A mediados del siglo XVIII llega el neoclásico de la mano de las orientaciones de Winckelmann “«de alimentar el buen gusto en las fuentes directas y tomar ejemplo de las obras de los griegos”, esto hizo que muchos artistas de la época se dedicasen a copiar en lugar de imitar. La producción de Bertel Thorvaldsen ha seguido la línea más ortodoxa del neoclasicismo, porque sus obras tenían una expresión más fría y estática. Después llegó el Romanticismo, que surge como reacción al neoclasicismo. En este periodo el artista aspiraba a la representación del entorno completo del hombre en “la obra de arte total”.

Edad Contemporánea

En la edad contemporánea, a partir del siglo XIX, los medios de comunicación juegan un papel muy importante en la difusión del arte a nivel mundial. Los estilos se desarrollaban a un ritmo muy acelerado, ya sea yuxtaponiéndose, conviviendo o enfrentándose entre ellos. A finales del siglo XIX empieza a emplearse la palabra vanguardia artística para identificar a los artistas que promovían actividades consideradas como revoluciones artísticas con el objetivo de transformarlo, su característica principal es la libertad de expresión. Las primeras tendencias vanguardistas fueron el futurismo y el cubismo.

En este periodo, la escultura deja de imitar la realidad y empieza a valorar el vacío, jugar con la luz o el volumen en negativo, también empiezan a agregar movimiento a través de acciones mecánicas o agentes atmosféricos. Además, cabe destacar el uso de nuevos materiales como el hormigón, el acero, el hierro y los plásticos.

Los escultores contemporáneos más representativos

  • Picasso que exploró la escultura cubista, descompuso el volumen en planos geométricos, algunos de los materiales que empleaba fueron cuerdas, alambres y madera sin cortar.
  • Constantin Brancusi y Jacques Lipchitz, que innovaron buscando el vacío, simplificaron los materiales utilizados para lograr formas perfectas.
  • Umberto Boccioni trasladó temas futuristas a la escultura, como el dinamismo y la introducción de toda clase de materiales, influenciado por el arte figurativo. Una de las obras claves de este movimiento es Formas únicas de continuidad en el espacio.
  • Marcel  Duchamp fue uno de los primeros escultores dadaístas, utilizó objetos vulgares para hacer esculturas (el llamado arte prefabricado, encontrado o ready-made), la primera obra fue una rueda de bicicleta sobre un taburete.

En este período también surgieron otros movimientos artísticos como:

  • El constructivismo, un movimiento que surgió en Rusia después de la Revolución de Octubre de 1917; artistas como Vladimir Tatlin, los hermanos Naum Gabo y Antoine Pevsner han influido mucho en el arte contemporáneo.
  • En la misma época (1917) surgió el neoplasticismo de Stijl, que buscaba la renovación estética y la configuración de un nuevo orden armónico de valor universal. Su estructura se basaba en la armonía  de líneas y bloques rectangulares de diversas proporciones, destacando la obra de Georges Vantongerloo.
  • Algunos pintores surrealistas realizaron esculturas según sus conceptos pictóricos, cabe mencionar a  Max Ernst, con su obra Espárragos lunares en 1935, y a Joan Miró quien utilizó una combinación de cuerda y trozos de metal.
  • También se innovó en la soldadura autógena, esto lo hizo Julio González,es un estilo experimental más abstracto.
  • En esta época, Henry Moore contribuyó  al desarrollo del arte de vanguardia, aunque su obra no pertenecía a ningún movimiento en particular, creó imágenes figurativas y estudió el volumen en el espacio. Al igual que Moore, el suizo Alberto Giacometti estaba relacionado con el surrealismo, pero en 1947 eligió una corriente figurativa con una estructura dominada por personajes muy esbeltos.
  • En la década de los 70 ‘s surgieron nuevos movimientos artísticos, como el minimalismo, el arte conceptual, el llamado land art, el arte povera o de la pobreza, el hiperrealismo, el arte performance o el postmodernismo. 
escultura contemporanea

Qué características tiene la escultura contemporánea

En cuanto a las características generales que posee la escultura encontramos:

  • Materiales: las esculturas pueden utilizar diferentes materiales que aportan expresividad a las obras, estos materiales pueden ser: piedra, arcilla, mármol, cobre, yeso, bronce, hierro, plata, madera, plástico, resina, entre otros.
  • Forma: el escultor puede realizar formas sólidas de varios tamaños y configuraciones; las esculturas pueden ser concretas o abstractas, orgánicas o geométricas.
  • Espacio y volumen: en una escultura, las formas se relacionan entre sí a través del espacio, la distancia y el ángulo que existe entre ellas, esto otorga al espectador una variedad de formas y relaciones espaciales cuando se ve de diferentes ángulos. El volumen se clasifica según su entorno en:
    • Relieve: es una variante de la escultura, abarcando desde lo bidireccional a lo tridimensional.
    • Extensa: la escultura puede verse desde diferentes ángulos y perspectivas.
    • Monumental: son piezas que rompen con las proporciones convencionales de las esculturas relacionadas con el ser humano y se funden en el espacio abierto.
    • Ornamental: son las esculturas relacionadas con la arquitectura y forman parte del concepto del proyecto.
  • Superficie o también conocida como textura, se produce cambiando la parte exterior de la estructura, puede ser:
    • Física: el momento en que usamos instrumentos para el tallado de las piezas como el cincel, el martillo u otras herramientas, con el fin de lograr un esgrafiado, puliendo o golpeando una superficie.
    • Conceptual: cuando la distribución de los elementos en la superficie de una pieza alcanza el contraste entre los diferentes elementos de la escultura.
  • Color: es una función del material seleccionado y los cambios producidos por el uso de ceras, pinturas, tintes y barnices en las esculturas de madera y el uso de ácido y calor en las esculturas de metal.
  • Movimiento: las esculturas tienen dos tendencias:
    • Física: son obras que están compuestas por piezas que hacen que cambien de posición en el espacio, esto se debe a que hay una acción mecánica o que se ayuda de los elementos naturales como el viento o el agua.
    • Conceptual: la escultura no cambia de posición, pero sí lo hace la vista del espectador que se extiende a lo largo de la obra, haciendo que este sienta la sensación de ritmo y dinamismo.
  • Línea: es lo que denominamos como contorno de la figura, nos indica la dirección y la relación de separación entre el espacio y la forma, también determina el estilo de la forma.
  • Proporción: es la relación entre la obra y su entorno, ya sea que se considere muy pequeña, pequeña, mediana, grande, exagerada o monumental.

¿Cuáles son las tendencias de la escultura contemporánea?

La escultura moderna tiene dos tendencias:

  • El constructivismo cinético: los artistas que pertenecen a este movimiento artístico (el cuál  incorpora a las piezas artísticas los conceptos de espacio y tiempo, con el fin de conseguir formas dinámicas) han tratado de transmitir sus ideales de la vida moderna a través de pinturas o de formas abstractas.
  • La abstracción orgánica: los escultores que forman parte de lo abstracto muestran las formas orgánicas de la naturaleza, no obstante, los artistas buscaron producir sus obras a través de la cultura africana.

¿Cuáles son los tipos de escultura contemporánea que existen?

La escultura tiene varios tipos como las de bulto redondo, relieve, bustos, entre otras. Pero en este artículo vamos a centrarnos en los dos tipos de escultura moderna que existen:

  • Escultura mural: son esculturas que se realizan en una pared utilizando todo tipo de materiales, desde arcilla, bronce, hierro, etc. Las esculturas de pared abstractas y figurativas son obras de exhibición que elevan la apariencia de una estancia, ya sea de una sala de estar, de un espacio en una empresa u organización. Este tipo de arte tiene un mayor impacto en la decoración de interior, porque aporta vitalidad a la habitación, por los cambios de luz y sombra que hay en la habitación de la que cuelga y a veces incluso se ve afectada por el color del entorno.
  • Escultura clásica: desarrolla una estética que combina los valores idealistas con una representación fiel de la naturaleza, pero evita las representaciones e interpretaciones demasiado realistas de los sentimientos emocionales y, en general, mantiene un entorno formal equilibrado y armonioso.

13 escultores contemporáneos

A continuación te hablamos de los 13 escultores más potentes que trabajan con la escultura clásica y la muralista:

Jordi Diez 

Es uno de los escultores españoles más internacionales que hay en la actualidad, es un escultor clásico que saltó a la fama tras completar su trabajo para Roland Garros sobre Rafa Nadal. Sus obras se pueden encontrar en museos, templos, colecciones privadas de todo el mundo y en lugares públicos. Actualmente, se encuentra inmerso en proyectos de escultura en  Arabia Saudita, Abu Dhabi, Barcelona,  Irak, San Francisco, Singapur, Tailandia y Taiwán, donde participó como artista invitado en la Art Revolution Taipei 20215 (A.R.T.).

Xavi García

Es un artista influenciado por los estilos de arte popular y urbano, además, es un escultor clásico. Su trabajo tiene un resultado final moderno, pero el proceso de creación de cada pieza es puramente clásico, utiliza mucho óleo y acrílico para crear innumerables tipos de texturas mixtas, que es una de sus principales características. Xavi ha ganado reconocimiento internacional, otorgando la misma importancia al mensaje como a la propia obra. Ha participado en importantes exposiciones internacionales por el resto del mundo (Hong Kong y Nueva York), así como en Europa (Bruselas, Londres, París y Roma).

Carlos Iglesias Faura

Es un escultor clásico de Madrid, que fusiona a la perfección el minimalismo y la vitalidad en sus obras, basa sus obras en la repetición como concepto y otorga a la luz y a las formas geométricas un lugar principal en el desarrollo de sus piezas. Como artista consolidado, participa cada año en las principales ferias de nuestro país, (Flecha, Art Madrid, Justmad, entre otras). También pertenece a colecciones famosas, como la Antonio Gala de Córdoba.

Rómulo Celdrán

Desarrolla su trabajo dentro de los campos del dibujo, la pintura y la escultura. Su primera exposición individual la realizó a los 16 años, su pronta introducción en el mundo artístico profesional le llevó a consolidar su formación artística de forma autodidacta.Su escultura es clásica. Recientemente, fue seleccionado por el Programa Percent for Art del Departamento de Asuntos Culturales de la Ciudad de Nueva York, como uno de los seis finalistas para realizar una obra de arte permanente y en un espacio público para el proyecto de mejora de Grand Concourse Street. Su currículum incluye exposiciones individuales como Rómulo Celdrán en la Hasted Kraeutler Gallery de Nueva York en 2014, Macro en la Arthobler Gallery de Zúrich (Suiza) en 2013 o Zoom en la Raquel Ponce Gallery de Madrid en 2010; también cuenta con exposiciones colectivas a nivel internacional, donde ha participado en Sketchy en la Hasted Kraeutler Gallery de Nueva York en 2013, IV Bienal de Arte Contemporáneo de la Fundación ONCE celebrada en el Centro Cultural Conde Duque de Madrid en 2012 o Realismus. Además, ha participado en ferias de arte internacionales como ArcoMadrid, Arte Lisboa,  Art Cologne,​​ Bloom Colonia, Contemporary Istambul, JustMad, Kunst Zurich, Munich Contempo, Scope Basel, Swab Barcelona o The Solo Project Basel.

David Vaamonde

Es un artista con una gran formación artística que ha plasmado su obra mediante diferentes disciplinas: pintura, collage, grabado…Pero principalmente en la escultura donde él ha podido expresar su amor por el arte y que además la demuestra con la creación, por su parte, de diversos premios artísticos. Como escultor clásico, ha expuesto sus creaciones junto a obras de Martín Chirino, Eduardo Chillida y Rafael Canogar en Madrid (Proyecto Fundición Magisa); de Salvador Dalí y Andy Warhol en Marbella (Galería Kasser Rassu) y de Picasso en Alicante (Colección Simon Casas).

Yessika Zambrano

Es una artista venezolana que recoge en su obra el fuerte legado óptico-cinético de su país, para luego someterla a un filtro personal e íntimo, que habla de lo femenino a través del hecho de tejer. Como escultora clásica, sus objetos textiles están diseñados con patrones geométricos, los cuales interactúan con la luz y crean sombras que adquieren tanta importancia como el propio material, transformando la expresión latina “Cum umbra nihil et sine umbra nihil” en una de las máximas de su propuesta artística. De esta forma, la línea de su obra rechaza lo inmutable al producir diferentes proyecciones en según el ángulo de inflexión lumínica.

José Onieva

José Onieva es un escultor madrileño, es un escultor clásico. Desde sus inicios se ha dedicado a la creación de diversos materiales como el bronce y el acero, cuenta con elementos innovadores como las esculturas móviles en equilibrio. Ha participado en ferias internacionales (Alemania, Francia y USA) y nacionales.

Santi Flores

Es un escultor español especializado en el neofigurativismo. Es un escultor clásico y muralista, en su trabajo utiliza, principalmente, el acero, material con el que transmite un lenguaje propio. Santi ha llevado a cabo exposiciones individuales y colectivas en España y en el  extranjero (Berlín y Nueva York), pero esta no es su prioridad, la cual es crear obras con las que esté satisfecho.

José Cháfer 

Es un artista español, como escultor muralista y clásico, está muy interesado en las conexiones que se producen en la naturaleza y admira sus condiciones cíclicas. Observa y analiza las formas, texturas y colores que están presentes y transmitidos en sus obras. Cree que es fundamental sumergirse en cada pieza para aportar lo mejor de sí mismo, consiguiendo así disfrutar del proceso. Cháfer ha participado en numerosas exposiciones colectivas y ferias nacionales.

Daniel Domingo Schweitzer

Escultor muralista, desarrolla composiciones escultóricas y trabajos bidimensionales. La relación que plantea entre el espacio y el espectador deriva de la importancia del material y las formas geométricas. En Saisho propone dos proyectos, «Organismos y fractales» y «Torsiones del espacio», en los que se plantea la pregunta «¿cómo creamos espacio?» desde el estudio de conceptos como el cuerpo, material, espacio y forma. Ha expuesto su obra en el Espacio de Arte Contemporáneo (EAC) de Alicante y participado en importantes ferias como Hybrid en Madrid. Sus obras se pueden encontrar en colecciones como la Fundación ACB o la Fundación Antonio Gala (Córdoba). También es miembro de La Colmena (Madrid 2015), plataforma cultural con la que ha llevado a cabo numerosas exposiciones.

Hugo Vásquez

Es un artista que trabaja sobre el paisaje como un lugar de búsqueda constante. En sus piezas utiliza filtros y diferentes materiales para establecer una nueva forma de mirar. Como escultor muralista, en su obra experimenta con el paisaje y hay algo que se mantiene inmutable en su trabajo, la búsqueda constante unida a la reflexión o tal vez a un estado de incertidumbre. Lo acromático y la oscuridad están presentes inconscientemente, alejando el color de su obra. Ha realizado varias exposiciones individuales, también ha participado en exposiciones colectivas y ferias internacionales como Limaphoto, Parc, Buenos Aires Photo, Art Basel Miami, BarcuBogota, L.A ARTSHOW. 

Jesu Moratiel

Es un artista que trabaja sobre el paisaje como un lugar de búsqueda constante. En sus piezas utiliza filtros y diferentes materiales para establecer una nueva forma de mirar. Como escultor muralista, en su obra experimenta con el paisaje y hay algo que se mantiene inmutable en su trabajo, la búsqueda constante unida a la reflexión o tal vez a un estado de incertidumbre. Lo acromático y la oscuridad están presentes inconscientemente, alejando el color de su obra. Ha realizado varias exposiciones individuales, también ha participado en exposiciones colectivas y ferias internacionales como Limaphoto, Parc, Buenos Aires Photo, Art Basel Miami, BarcuBogota, L.A ARTSHOW. 

Bruno Gruppalli

Artista multidisciplinar, cada vez más presente en la escena emergente Argentina, reflexiona sobre los códigos de comunicación, las tendencias y el consumo actual y resalta cómo éstos influyen en nuestro comportamiento. Las esculturas muralistas que presenta en Saisho tratan de materializar la gestualidad de la escritura y combinarla con otros objetos de uso cotidiano, con el fin de establecer una relación entre lenguaje y consumo. Ha expuesto su obra en distintas galerías, espacios de arte internacionales y en diversos museos como el MUSA (México), el MACRO (Roma) o el MACBA (Buenos Aires) en 2019.

Y a ti que te ha parecido este artículo, ¿cuál es tu artista favorito de la escultura?, ¿en tu ciudad se puede encontrar esta disciplina artística en los espacios públicos o en las galerías de arte?, ¿qué ciudad de tu país consideras que es la referente de la escultura? y ¿a nivel internacional?… Si estás buscando una inversión o la oportunidad de seguir coleccionando obras de arte, no te olvides de hacer clic en el banner de a continuación, para que nuestro equipo de consultores se ponga en contacto contigo y poder brindarte la información necesaria sobre el mercado financiero del momento.

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